Итальянский орнамент эпохи возрождения вектор (3 видео)

Презентация по истории искусств на тему «Орнамент эпохи Возрождения»

Обращаем Ваше внимание, что в соответствии с Федеральным законом N 273-ФЗ «Об образовании в Российской Федерации» в организациях, осуществляющих образовательную деятельность, организовывается обучение и воспитание обучающихся с ОВЗ как совместно с другими обучающимися, так и в отдельных классах или группах.

Содержание

«Снятие эмоционального напряжения у детей и подростков с помощью арт-практик и психологических упражнений»
Описание презентации по отдельным слайдам:
Орнамент клуб
Орнамент эпохи Ренессанса
Почему началась эпоха Возрождения
О стиле Ренессанс и орнаменте в целом
Общая характеристика
Элементы орнамента
Новые орнаментальные мотивы
Орнамент ренессанса в ДПИ
Керамика
Ткани
Книгопечатание
ОРНАМЕНТ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ
🎬 Видео

Видео:Эпоха Возрождения за 10 минутСкачать

«Снятие эмоционального напряжения
у детей и подростков с помощью арт-практик
и психологических упражнений»

Сертификат и скидка на обучение каждому участнику

Описание презентации по отдельным слайдам:

ОРНАМЕНТ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ
Презентацию подготовила преподаватель ИЗО МБУ ДО ДШИ а. Тахтамукай
Джасте Саида Юрьевна

Орнамент эпохи Ренессанса
Стиль эпохи Возрождения (XIV – XVI вв.) отличается повышенным интересом к античной культуре. Необыкновенно популярными становятся сюжеты, мотивы, формы и техники, использовавшиеся когда-то мастерами Древнего Рима и Древней Греции. Европейцев снова начинают интересовать гармония, симметрия и перспектива. Свои истоки Ренессанс берет в Италии. Конечно же, случайностью это не назовешь. Ведь именно здесь когда-то и располагался центр Римской Империи. Настоящей же колыбелью данного стиля стала Флоренция.
Орнамент эпохи Возрождения соединил и переосмыслил в себе три древних традиции – римскую, арабо-мусульманскую и готическую. Разумеется, римские традиции сыграли при этом главную роль.

Основные мотивы орнамента эпохи Возрождения
В орнаментах этой эпохи присутствуют дубовые и акантовые листья, виноградная лоза, зооморфные элементы в сочетании обнаженным человеческим телом.

Тут же можно встретить иконки, греческий меандр, чешую, плетенку, бусы, ленты и древнейший мотив раковины.
Основные мотивы орнамента эпохи Возрождения

Акантовый лист и завиток занимают в узорах Ренессанса особое место.
Основные мотивы орнамента эпохи Возрождения

После итальянского похода во Франции (XVI в.) в декоре часто применяются такие элементы,
Основные мотивы орнамента эпохи Возрождения
крылатые сфинксы.
львиные головы,
дельфины,
маски,
как рог изобилия,

Фламандский стиль этого века во многом повторяет французский. При этом в орнаментах активно используют

Основные мотивы орнамента эпохи Возрождения
и фигуры гениев.
кариатид
включающие в себя медальоны,
частично состоящие из листвы композиции,
маскароны,

Характерные особенности орнамента Ренессанса
Орнамент в эпоху Возрождения отличается реалистичностью и повышенной живописностью. При этом любые виды декора находятся под исключительным влиянием живописи. Именно ей была отведена определяющая роль в художественной культуре эпохи Ренессанса. В композициях орнаментов господствуют уравновешенные, спокойные мотивы, как горизонтальные, так и вертикальные.
Повсеместно используются римские канделябры, а также полуциркульные мотивы.

Особенно тонкой и гармоничной орнаментикой отличается декор ренессансных интерьеров. Конечно же, в узорах этого стиля присутствуют и собственные, характерные только ему мотивы. Это, прежде всего, герб, заключенный в венок из цветов, поддерживаемый купидонами (путти).
Характерные особенности орнамента Ренессанса
Декор свода капеллы папы Льва Х в Санта Мария Новелла во Флоренции. Путти с папским гербом

Доминирующим керамическим изделием XVI века была майолика. Так называют керамические изделия из обожженной цветной глины, покрытые глазурью. Их гладкая поверхность очень хорошо подходила для росписи. Орнамент на такую посуду наносился обычно синим кобальтом. В качестве мотива при этом использовались геральдические изображения, павлиньи перья, портреты в круглых рамках. В более поздний период на керамику наносились орнаменты, состоящие из элементов, заимствованных из римских монет и медалей.
Первая итальянская майолика относится к эпохе Раннего Возрождения, периоду Кваттроченто.
К этому периоду относятся работы выдающего керамиста Луки Делла Роббиа. Он был первым в своей династии художников, начавший успешно использовать искусство полихромного глазурования терракоты.
Мадонна в храме Орсанмикеле Лука делла Роббиа
Склеп Беноццо Federighi (1454-1457) Делла Роббиа
Учитывая повышенную стойкость этого покрытия и наличие в нем металлического блеска, «люстр», майолика работы Делла Роббиа стала использоваться не только в интерьерах, но и на фасадах зданий, а также в полутемных помещениях. Металлические блестки в глазури таким образом преломляли свет, что даже малого его количества было достаточно, чтобы скульптура начинала «светиться» в полумраке.
Керамика эпохи Возрождения

Керамическая мастерская Делла Роббиа стала семейным предприятием и после смерти Луки его дело унаследовал его племянник, Андреа Делла Роббиа, который расширил палитру майоликовых глазурей.
При нем предприятие стало выпускать копии наиболее популярных керамических композиций, которые поставлялись во многие страны Европы. Было организовано производство архитектурных деталей с использованием пресс-форм.
Работы семейства Делла Роббиа были первым и очень успешным симбиозом живописи и скульптуры. Их произведения, такие, как рафинированные Мадонны, портреты и бюсты, сюжетные композиции, сравнимы по красоте и выразительной силе с произведениями крупных художников эпохи Возрождения — Донателло, Верроккьо, Филиппо Липпи.
Мастерская Андреа и Джованни делла Роббиа, Мадонна с младенцем, Лувр
Керамика эпохи Возрождения

Между тем, итальянское Возрождение вступило в период Чинквеченто — период Высокого и Позднего Возрождения, когда работают и творят великие Леонардо да Винчи, Микеланджело и Тициан. Итальянская майолика этого периода вполне соответствует выдающимся мастерам своего времени.

Франческо Ксанто Авелли До Ровиго — художник, о котором мало, что известно, кроме того, что он создавал совершенно уникальную майоликовую живопись и принимал участие в создании первого профсоюза керамистов в Италии.
Он подписывал свои работы аббревиатурой FXAR и все они датируются периодом с 1530 по 1540 год. Более ранние работы художника, которые по ряду признаков можно отнести к его творчеству, никак не идентифицированы и причины, почему он стал в какой-то момент подписывать свои работы, достоверно неизвестны.
Возможно, это как-то связано с его участием в профсоюзном движении, почему он начал испытывать проблемы с трудоустройством и вынужден был начать работать самостоятельно. После 1542 года о нем неизвестно ничего.
Работа Франческо Ксанто Авелли До Ровиго
Керамика эпохи Возрождения

1 Расписная тарелка. Сцена из поэмы Овидия «Метаморфозы». Диам. 19 см.
2 Расписная тарелка, ок. 1525, с гербом Изабеллы д`Эсте, известной покровительницы искусств Ренессанса. Сцена из поэмы Овидия «Метаморфозы » с ее персонажами Федрой и Ипполитом. Диам. 27,5 см.
1 Блюдо из Фаенцы, где бурно развивалась историческая живопись, ок. 1515-25, В центре изображен Христос, взятый под стражу, по гравюре на дереве Альбрехта Дюрера. Диам. 19 см.
2 Расписная тарелка, ок. 1525, с гербом Изабеллы д`Эсте, известной покровительницы искусств Ренессанса. Сцена из поэмы Овидия «Метаморфозы » с ее персонажами Федрой и Ипполитом. Диам. 27,5 см.
Никола да Урбино первым ввел в майолику новый стиль «istoriato». Стиль повторяет традиции живописи того периода и характерен подробным изображением на керамике одной сцены, как правило, имеющей библейский или светский сюжет.
Керамические картины Николы часто изображают сцены из средневековых романов или античных классиков. Например, он иллюстрирует на керамике «Метаморфозы» Овидия. Однако, он не просто копирует черно-белые рисунки книжной графики, он преобразует их так, что они наполняются пластичностью, жизненной силой и движением.
Керамика эпохи Возрождения

Нельзя не упомянуть художников из Фаэнцы, работавших в стиле «istoriato», среди которых особенно выделялся Бальдассар Манара, использовавший посуду в качестве холста для своих работ, часто с придуманными сюжетами, напоминающими картины живописцев.
Работа Бальдассара Манара
1520-40 г., Фаэнца
Керамика эпохи Возрождения
Следует отметить, что Фаэнца по сей день является центром по производству майолики и именно этот город дал имя «фаянсу» — керамике из каолиновой глины, родственной фарфору, активно завозимой итальянскими купцами в средневековую Европу из Фаэнцы.

Шлем французского короля Карла IX Редон, Пьер. 1572
Железо, золото; чеканка, цветная эмаль. Частное собрание Франция
Ваза в форме ладьи 1589 Золото, горный хрусталь; гравировка. Музей серебряных изделий, Флоренция
Кувшин из раковин моллюска, 16 век
Солонка с китайскими мотивами Кревекер, Франсуа
Вторая половина 16 века. Раковины моллюска, серебро; позолота, гравировка. Высота 16 см.Музей серебряных изделий, Флоренция
Бенвенуто Челлини, Солонка «Нептун и Церера»
1543, Золото, эмаль
Ваза Буонталенти, Бернардо; Биливер, Жак. 1583. Лазурит, золото. Высота 40,5 см. Музей серебряных изделий, Флоренция
Орнамент на ювелирных изделиях
Золото и серебро в эпоху Возрождения ценились необыкновенно высоко. Из этих благородных металлов изготавливались кубки, канделябры, кувшины, блюда и т.д., украшенные гравировкой. Орнаментом могли быть, к примеру, густые абстрактные завитки.

Декорирование текстиля
При оформлении ткани орнаментальными узорами в эпоху Возрождения используются как консервативные мотивы, так и совершенно новые. Декор тканей чаще всего состоит из мелких повторяющихся геометрических элементов. Иногда используется и крупный рисунок (до 50 см). Подобный орнамент хорошо известен и популярен до сих пор.

Декорирование текстиля
Дорогие ткани – бархат и парча – обычно выделываются с различными стилизованными элементами.
Используется тонкая лоза, ленточное плетение, причудливые листочки.
Чаще всего на таком текстиле можно видеть гранатовый мотив. При этом обычно выполняется аранжировка, нередко в виде слезы.
Оживальная форма (форма, образованная дугами двух окружностей), использовавшаяся в готике, продолжает украшать ткани и в эпоху Ренессанса.
Однако на этот раз она становится гораздо разнообразнее.

Геометрический узор, который так же часто можно видеть на тканях эпохи Возрождения, становится гораздо более отчетливым. В мотивах такого вида присутствует огромное количество мелких деталей.
Декорирование текстиля

Особенно примечательна в этом плане вышивка льняных рубашек и кружево reticella. То есть такие орнаменты, при выполнении которых требуется расчет по клеткам.
Ретичелла, Кружева, из книги Чезаре Вечеллио , издательство 1591.
Декорирование текстиля

Орнамент на стекле
Особое внимание в этом плане стоит уделить венецианскому стеклу. В период раннего Ренессанса Венеция была могущественным государством, где процветали ремесла, торговля, искусство. Значительного технического прогресса это государство достигло в производстве стекла.
Современники называли венецианское стекло «cristallo» из-за сходства с горным хрусталем. Оформление изделий, выполненных из такого стекла, выполняется с использованием романской, византийской и восточной техник.

В эпоху Возрождения венецианское стекло становится необыкновенно популярным у знати.
Орнамент на стекле
Свадебный Кубок Баровиер. Муранское стекло
В нем часто используются различные эмали, а орнаментом обычно служили узоры из ярко-зеленых листьев и стилизованных фигур животных.
Отличными эстетическими качествами отличается также испанское стекло медового цвета.
Аристократия других стран стремилась открывать свои стеклодувные мастерские и тщетно пытались найти секрет его производства.

Вопросы для повторения
Чем отличается стиль эпохи Возрождения (XIV – XVI вв.)?
повышенным интересом к античной культуре
дубовые и акантовые листья, виноградная лоза, зооморфные элементы в сочетании обнаженным человеческим телом
реалистичностью и повышенной живописностью
майолика
Лука Делла Роббиа
Назовите имя керамиста, который был первым в своей династии художников, начавший успешно использовать искусство полихромного глазурования терракоты?
Что было доминирующим керамическим изделием XVI века?
Чем отличается орнамент в эпоху Возрождения?
Каковы основные мотивы орнамента эпохи Возрождения?

Вопросы для повторения
Кто первым ввел в майолику новый стиль «istoriato»?
Никола да Урбино
Фаэнца
Золото и серебро
геометрические
«cristallo»
Как современники называли венецианское стекло из-за сходства с горным хрусталем?
Какие мотивы чаще всего используются в эпоху Возрождения при оформлении ткани?
Из каких благородных металлов изготавливались кубки, канделябры, кувшины, блюда и т.д., украшенные гравировкой?
Какой город дал имя «фаянсу» — керамике из каолиновой глины и по сей день является центром по производству майолики?

Видео:Итальянское Возрождение за 12 минут. КроссКульт.Скачать

Орнамент клуб

Видео:ИСКУССТВО ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ История искусстваСкачать

Орнамент эпохи Ренессанса

Эпоха Возрождения — это время, благодаря которому мы стали теми, кто мы есть. Ренессанс стал точкой отсчета в формировании современной эстетики, нашего чувства прекрасного. Мир, в котором должна править гармония, идеальная пропорция форм, логика и симметрия отразилась в орнаменте стиля ренессанс. Он опирается на римский стиль, впитывая в себя черты готики.

Почему началась эпоха Возрождения

29 мая 1453 года под напором 150-тысячного войска султана Мехмета Второго пал Константинополь. Византийская империя почила в бозе. Греки массово переселялись в Италию, среди них было много философов, ученых, поэтов и ремесленников, владевших такими технологиями, которые “темной” Европе и во сне не снились. Эти ребята были очень болтливы, и с удовольствием рассказывали собиравшимся вокруг них толпам о римском праве, литературе, искусстве и архитектуре. Они, как носители греческой культуры, вызвали безумный интерес у элитной части общества, у молодежи, к римской теме. В моду по всей Италии вошло изучение всего римского.

Фреска в капелле флорентийской церкви Санта Мария Новелла. Доменико Гирландайо. 1490 год.

Церковь не очень то возражала, ибо она сильно облажалась с крестовыми походами, и ей явно нужен был новый подход, который укрепит паству в вере. Свежая идея, которая призывала познать самого себя и окружающий мир, как творение Бога, была принята. Человек становится на земле главным существом, созданным всевышним. Ренессанс излучает спокойное и равномерное чувство благополучия и власти, свободу от переживаний и грациозную легкость.

О стиле Ренессанс и орнаменте в целом

Термин Возрождение или Ренессанс (от французского Renaissance или итальянского Rinascimento) происходит от латинского слова “renasci”—то есть рождаться еще раз,возрождаться. Эпоха, имеющая мировое значение в истории европейской культуры, пришла на смену средневековью. В Италии она началась в XIV веке, а в Европе столетием позже.

Никакие эстетические революции прошлого века не сумели затмить величие революции Ренессанса. Творческий человек эпохи возрождения — многогранно развитая личность. Происхождение почти утратило своё главенствующее значение, во главу угла теперь встал талант. Главная роль в процессе возрождения принадлежала все таки не Риму, а скорее Флоренции. Именно там творили великие титаны Ренессанса: Леонардо да Винчи, Филиппо Брунеллески, Леон Баттиста Альберти, Донателло, Микеланджело Буонарроти, Рафаэль Санти.

Стиль всего искусства эпохи Возрождения опирается на античную культуру, римский стиль. Но ничто так ярко не отражает характер эпохи, как орнамент. Так как в Древнем Риме он сформировался на основе этрусского и греческого, то мы находим в орнаменте ренессанса давно знакомые нам аканты, пальметты, меандры.

Кроме этого в нём имеются не только готические элементы, но и арабо-мусульманские. Богатство цветовой гаммы, живописность и безусловная симметрия – это основополагающие черты этого стиля. Во всём прослеживается уравновешенность, реалистичность и чистота композиции , хотя последняя становится гораздо более сложной и насыщенной, по сравнению с античной. Кстати, по мнению В.Родэ, чем сложнее стилизация орнамента, тем больше ему нужно пространства, “воздуха”, чтобы орнамент мог “дышать”. Это условие безусловно относится и к орнаменту Ренессанса.

Итальянский стиль ренессанс, распространившийся в других странах (Например, в Германии) после 1450 года, известен как “Северное возрождение”. В каждой стране стиль Ренессанс имел свои характерные особенности, но мы пока остановимся на общих чертах, которые отразились в орнаменте.

Общая характеристика

Основным содержанием всего орнамента Ренессанса было полное переосмысление, переработка римско-греческих традиций. В наследство от готического стиля перешло стремление к декоративности, линии, в сравнении с римским орнаментом, становятся более пластичными.

Важно: Орнамент возрождения очень живописный, живая природная стилизация выглядит естественно, орнамент легко читается благодаря строго симметричной композиции, равномерности. Очень часто композиция группируется вдоль центральной оси, от которой отходят различные лиственные или цветочные элементы, часто они заканчиваются наверху пальметтой, чашей или цветком.

Орнаменты могли быть как горизонтальные, так и вертикальные. Вертикальный орнамент почти всегда логичен, нижний край орнамента, как правило, “растет” из вазы, дельфина, какого — то фантастического существа или даже человеческой головы. Готическое пристрастие к пугающим фантастическим созданиям, которыми лично я искренне восхищаюсь, присутствует и в орнаменте ренессанса. При отделке зданий рельефные растительные орнаменты делались из каррарского мрамора, терракоты, позже из алебастра, У подножия пилястров орнаменты дружно вырастали из куста аканта с изогнутыми в разных направлениях листьями.

Орнамент в декоре мог делаться без тени, как было принято в греческом стиле (часто и в римском) или со своими тенями, с падающими тенями. Художники ренессанса научились делать тень на орнаменте опять же у римлян. Выпуклость, эффект пластики смотрелся весьма эффектно. В зависимости от того, в каком виде декоративно прикладного искусства орнамент применяется, фон спокоен (например, в настенной росписи) или активен (например, в отделке тканей). В настенной орнаментальной росписи в качестве фона использовались мягкие пастельные тона, хотя можно встретить и довольно темный коричневый.

Ткани ренессанса обычно имеют яркий фон, например, зеленый, пурпурный, синий, часто с золотом. Отдельные листочки орнамента часто окрашивались в не природные цвета, а то и в два оттенка с плавным переходом.

Элементы орнамента

Как я уже говорила выше, ренессансный орнамент объединил три основных стиля: римский, арабо-мусульманский и готический, при этом римский являлся основополагающим, определяющим стилистику . Листья аканта перестали быть колючими, как в средневековье, их стилизация приобрела более природную форму. Более нежными стали и листья дуба, виноградной лозы. Часто можно заметить свернувшиеся улитками стебли или усики, которые откуда то растут. Порой они логично заполняют пустоту площади.

Присутствует в орнаменте возрождения и греческий меандр, чешуя, спираль, плетенка, конечно же, вездесущая пальметта, различные бусы и ленты. Они почти сохранили свой традиционный греко-римский вид. Раковина также мигрировала из античности, она пока мало отличается от римской, ее триумф только впереди, когда настанет эпоха барокко и рококо. Можно заметить и картуш в виде свитка с завернувшимися краями, на котором по желанию заказчика помещали надписи, эмблемы, гербы и портреты.

Фестоны не приобретают нового вида, раньше они тоже присутствовали в орнаменте Рима. Однако, в Римском орнаменте фестон был значительно грубее, в ренессансе он становится изящным. Фестоны в орнаменте прикрепляются к кольцам либо гвоздям, поддерживаются ангелами, привязываются к гротескам, к животным. Развитие технологии книгопечатания способствовало распространению типографского орнамента в виде изящных арабо-мусульманских арабесок. Этот элемент был популярен и в тканях. Еще один популярный в эпоху возрождения элемент, перекочевавший из арабского мира — стилизованный цветок граната.

Новые орнаментальные мотивы

Характерный элемент, который ренессанс добавил в книгу истории орнамента — это гротеск. Итальянцы, вдохновленные изучением римского наследия, проводили и раскопки. В 1480 г. они “откопали” Золотой дом — дворец императора Нерона. В пещерах (Grotta – «пещера» в переводе с итальянского) под землей хорошо сохранились античные росписи.

Гротеск – это сложное сочетание сплетенных стеблей и листьев аканта, других растительных элементов с фигурами людей, животных, амуров, нимф, львиных голов, маскароне и прочего. Все эти элементы фантастично или оригинально стилизованы и гармонично переплетены. Гротеск был всегда построен на основе осевой симметрии. Он глубоко логичен, уравновешен, но при этом изящен и динамичен .

Хотя гротеск родился на основе мотива канделябра, но все таки это элемент, присущий именно ренессансу. Первым гротеском расписал стены лоджий в Ватиканском дворце Рафаэль со своими учениками.

О копиях Лоджий Рафаэля работы немецкого художника Христофора Унтербергера, которые размещены в Государственном Эрмитаже в Санкт — Петербурге предлагаю посмотреть видео:

Почти 300 лет гротески были самой модной орнаментальной формой, причем часто приобретали поистине фантастический размах. Применялись в декоративной росписи, на гобеленах, в майолике. В 1566 году вышли сборники гравюр под названием «Книга гротесков» декоратора Жака Андруэ Дюсерсо. Они стали настольной книгой для всех, кто создавал орнаменты.

Дюсерсо был выдающимся орнаменталистом. Он считается одним из предтечей стиля рококо, хотя творчество его принадлежит Ренессансу. Он создал серии «Малых арабесок» и «Больших арабесок» (1566), проекты модной мебели, детали оформления интерьеров — всего приблизительно 1900 офортов.

Детище ренессанса — венок, а скорее валик, сплетённый из цветов, листьев и плодов. Его придумал художник Lucca della Robbia, керамист. Он первым украсил таким венком рамку вокруг мадонны с младенцем. Кстати, именно он покрывал свои работы яркой глазурью и краской желтого, зеленого, синего, фиолетового и белого цвета. Выглядело это шикарно. Хорошо выглядят подвески из плодов, соединенные лентами. Образец этого сохранился на знаменитых Золотых воротах флорентийского мастера Лоренцо Гиберти (Ghiberti) во Флоренции.

В этом видео шедевр можно рассмотреть детально:

Кстати, именно об этой двери Микеланджело сказал: “Они подошли бы и для Рая!”, поэтому их теперь так и зовут: «Врата Рая». Откормленные ангелы и младенцы — путти, которые потом с успехом перекочевали в барокко и герб, заключенный в венок из цветов, поддерживаемый вездесущими купидонами — тоже изобретение эпохи возрождения.

Орнамент ренессанса в ДПИ

Новый стиль повлиял на многие виды декоративно прикладного искусства, но особенно ярко отразился он в изготовлении керамики и тканей.

Керамика

Мы уже неоднократно писали о майолике, ее поверхность была идеальна для нанесения орнамента и росписи. Основные мотивы — геральдика, перья павлинов, портреты в рамках, орнаментальные композиции. Мастерские Кастель Дуранте прославились своими непревзойденными гротесками, а Фаэнца предпочитала растительные элементы, композиции из пальметт и акантов, которые дополнялись маскаронами, украшались фестонами и венками. Писали, как правило, по синему либо двухцветному фону. О керамике ренессанса можно еще почитать здесь и здесь .

Ткани

Венецианские шелка декорировали цветочными мотивами: цветками граната, о котором мы упоминали выше, греческими элементами, пальметтами, гвоздиками, ананасами, лотосами, виноградной лозой и арабесками. Естественно, все это окружалось вездесущим аккантом. Не обходилось и без фантастических птиц и оригинальных животных.

Одеяния знатных лиц украшались гербами и геральдикой. Особенно хороши были алтабасы и аксамиты. На итальянском алтабасе золотом по золоту либо серебром по серебру ткали орнамент. Затем контуры декорировали атласным петельчатым кантом яркого цвета. Наряду с ткаными орнаментами и набивкой популярна была вышивка. Особенно модно было вышивать на одежде львов и драконов, и конечно же, райских птиц. Все это украшалось жемчугом и различными драгоценными каменьями.

Книгопечатание

Эпоха возрождения породила огромное количество людей, которые вдруг захотели читать. В связи с этим книгопечатание активно развивалось. Орнаменты, которыми украшались обложки и страницы книг были выполнены в общей традиции, о которых я говорила выше.

Ювелирные изделия в эпоху ренессанса в основном продолжили традиции готики, о них подробнее читайте в ДПИ Журнале . Кроме этого, предлагаю познакомится с материалом о Муранском стекле.

Эпоха высокого возрождения заканчивается маньеризмом и открывает двери, в которые через несколько веков торжественно войдет блистательное барокко.

Видео:Живопись Высокого Возрождения. Италия. Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Тициан, КорреджоСкачать

ОРНАМЕНТ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

Ренессансный орнамент, как живопись и скульптура этой эпохи, ищет ясности и гармонии. Орнамент на рубеже готики и Возрождения резко меняется. Готические мотивы встречаются все реже, а затем и совсем исчезают. В XV в. наступает время все более возрастающего увлечения античным орнаментом.
В орнаментах широко используются листья аканта, дуба, виноградной лозы, разные элементы животного мира в сочетании с изображением обнаженного человеческого тела. Кроме того, применяются ионики, бусы, меандр, плетенка, чишуя, лента, широко используется мотив раковины.
Особое место занимаят акантовый лист и акантовый завиток.

Два вида этого травянистого растения из многочисленного семейства акантовых встречаются на берегах Греции и Южной Италии — акант мягкий и акант колючий. Они растут стройными кустами с большими, красиво разрезанными листьями на изогнутых черенках, цветут крупными светлыми цветами и еще в древности служили украшением садов. Сущуствует легенда, что греческий архитектор Каллимах, подражая листьям мягкого аканта, впервые создал капитель коринфской колонны. Акант колючий также широко распрстранен декоративном искусстве. Один из более скромных и менее декоративных видов этого растения встречается в диком виде на Крымском побережье Черного моря.
Декор ренессансных интерьеров отличается гармоничной и тонкой орнаментикой. Появляется новый декоративный мотив – герб в венке из цветов, поддерживаемый «путти» — обнаженными пухлыми младенцами. Часто используются гирлянды цветов и плодов, растительный завиток. Однако элементы флоры и фауны занимают второстепенное место в сравнении с изображениями людьми.
В XVI в. во Франции после итальянских походов используют мотивы античного римского декора: овы, рог изобилия, львиные головы, дельфины, маски, крылатые сфинксы и другие фантастические животные.
Широкому распространению греко – римской орнаментики в декоративном искусстве Возрождения способствовали популярные в то время альбомы гравюр, служившие образцами мастерам всех видов прикладного искусства. В рождении новых орнаментальных мотивов особенно значительной оказалась роль сборников гравюр под названием «Книга готесков» декоратора Жака Андруэ Дюсерсо, выпущенная в 1566 г. С той поры вплоть до изобретения фотографии гравюра продолжала играть в этом плане немаловажную роль.
Фламандскому декоративному искусству середины XVI в. свойственны черты французского стиля, где наибольшее распространение получили следующие мотивы: маскароны, кариатиды, фигуры гениев, переходящие в листву, а также композиции с овальным медальоном в центре.
В архитектурной орнаментике ренессанса, благодаря иному восприятию классической античной архитектуры, происходит рождение новых орнаментальных решений. Преобразовываются в декор фигуры атлантов, кариатид, кронштейны, античные антаблементы.
Появляется орнамент, типичный для отдельных мастеров, иногда – целового круга художников. Так, гротеки обязаны своим рождением Рафаэлю. Название этого орнамента происходит от его первисточника – сохранившихся под землей (гротта – по итальянски «пещера») остатков античных росписей, обнаруженных в 1480 г. при раскопках «Золотого дома» — дворца императора Нерона. После того как в1519 г. Рафаэлем и его учениками гротесками были расписаны стены лоджий в Ватиканском дворце, этот вид орнамента прочно и глубоко вошел в творчество многих художников.
Гротеска – это причудливое сочетание сплетающих рстительных побегов и завитков аканта с человеческими фигурами и полуфигурами, с масками, химерами, фантастическими легкими архитектурными компазициями. Гротеск всегда строился симметрично, по сторонам сложной моногярусной оси, носившей название канделябра.
В свое время отвергнутые Витрувием, они через полторы тысячи лет возродились и расцвели в эпоху, главной четой которой стало необычайная любовь ко всему античному. На протяжении почти трехсот лет гротески были одной из самых распространенных орнаментальных форм европейского декоративного искусства, приобретая с течением времени все более фантастические и изощренные черты. Они широко использовались в декоративно-монументальной живописи, а также различных видах прикладного искусства- гобеленах, росписях итальянской майолики, в изделиях из драгоценных металов.
В XVIII в. гротеск раскрылся уже в несколько иной стилевой интерпретации в русском декоративном искусстве. Особенно ярко свое воплощение он нашел в изящном декоративном убранстве интерьеров Чарльза Камерона.
В начале XVI столетия в итальянской майолике происходят изменения: форма сосудов не принимается во внимание, главным становится « Картинообразные украшения». Начинается повсеместная зависимость майолики от гравированных листов. Особым источником вдохновения для майоличных мастеров становятся гравюры, исполненные по рисункам Рафаэля и его учеников. Сюжетами для них чаще всего служили сцены из античной мифологии и римской истории, библейские сюжеты и сцены из жития святых. Очень редко использовались сюжеты из современной истории и совсем редки портреты современных исторических деятелей.
Во второй половине XVI столетия фигурную живопись итальянских майолик сменяет причудливый гротескный узор на молочно-белом фоне (первая попытка подражания китайскому фарфору). Эти тонкие и изящные гротески в корне отличаются от аналогичных более разных орнаментальных мотивов.
В детелях итальянской мебели XVI в. особенно широко применяются львиные лапы, маски, бараньи головы, кронштейны, а также всевозможные архитектурные шаблоны: отделенные фризы, карнизы и целые антаблементы, пилястры, полуколонны и круглые, несколько отставленные отфона колонны, с базами и капителями, каннелированые или сплошь покрытые легким и изящным резным орнаментом.
В декоре венецианских шелков органично сочетаются западные элементы с восточными, которые используют традиционные цветочные мотивы: цветок граната, флеронкрестовик, пальметку, тульпан, гвоздику, лотос и арабески. Продолжает использоваться античная орнаментика. Ткани для одежды знатных лиц украшаются их гербами.
Узоры испанских тканей чаще всего состоят из арабесок, прямоугольных рамок, листьев в форме полумесяца, пальметок и лотоса; используются также мотивы, заимствованные из изразцов: крест, звезда, львы – символы королевства Леон. Встречаются ткани с геральдическим декором. Для испанского бархата характерны узоры в виде симметричных ячеек и орнамент из стилизованных растений с волнистыми стеблями.

ОРНАМЕНТ БАРОККО

Орнамент барокко порывал со спокойной гармонией орнаментального искусства эпохи Возраждения. Выражение покоя и равновесия постепенно начало уступать место новому пониманию красоты. Исчезает слепое подражание античному декору. Тяжеловесные и массивные элементы делаются более округлыми (картуш), более торжественными. В начальный период наиболее распространенным был мотив маски, иногда смеющейся, который сменил мотив солнца.
Прямые линии в орнаменте постепенно вытесняются изогнутыми. Вместо спокойствия – эмоциональнуй порыв, вместо ясности и лаконичности – сложность, многообразие и пышная декоративность; при этом все еще сохраняются организующий центр декоративной композиции, симметрия.
Орнамент барокко отличается разнообразием и выразительностью. Он сохраняет мотивы греческого и главным образом римского искусства, охотно использует получеловеческие и полузвериные фигуры, тяжелые гирлянды цветов и плодов, мотивы раковин и лилий в сочетании с символичным солнцем; широко применяется античный мотив акантового листа. В соединении с самым прихотливыми и неожиданными завитками орнамент из аканта используется почти всеми видами прикладного искусства.
Орнамент второй половины XVII в. (позднее барокко) строго симетричен, для него характерно подражание архитектурным деталям: колонны, разорванные фронтончики , баллюстрады, консольки. Декор этого периода богат, несколько грузен и величествен. Кроме классических ов, акантов, трофеев, орнамент изобилует волютами, картушами, раковинами, жертвенниками, торшерами, драконами, кариатидами и вазами с цветами. В этот период еще больше возрастает роль декоратора. Ряд художников продолжают начинание Жака Андруэ Дюсеро.

Постепенно харктерной осбенностью декора становится прием сочетания прямых и округлых линий, который получил развитие к концу XVII в. В это же время появляются и другие новые мотивы: ромбовидная сетка, украшенная мелкими розетками, именуемая трельяжем, и орнамент, имитирующий в резанной зубцами и украшенный кистями занавес, — ламбрекен.Орнаментальные композиции художника – гравера Жана Берена (1679-1700) находят повсеместное применение во многих видах прикладного искусства. Ж. Берен во могогм опирается на орнаментику Французского Возрождения. Доминирующую роль в его орнаментальных композициях играют гротески,которые рождались на основе изучения гротесков XVI в. Для его орнаментов характерны материальность и скульптурная осязаемость, что придает композициям некоторую тяжеловестность и ритмическую устойчивость.
Жан Берн развивает дальше определившийся во французском декоративном искусстве тип композиции с центральной фигурой в орнаментальном обрамлении. Чаще всего это фигура божества или мифологического персонажа: Аполлон, Венера, Диана, Флора, Бакх. Она несет на себе основную смысловую нагрузку и определяет выбор остальных элементов декора композиции.
Целый ряд мотивов, сложившихся в творчестве Ж. Берена, становятся определяющими в орнаментике последующего периода. К их числу относятся завитки, соединенные короткими прямыми полосами, тонкие спирали, переходящие в акант, плоский ленточный орнамент – все то, что дает возможность отличить французские гротески от итальянских и фламандских с характерными для них масками, гермами, канделяброобразными формами.
Творчество Ж. Берена было выражением стиля этого времени и сыграло важную роль для егопоследующего развития.
Многоярусные портики и гирлянды, корзины и арабески, рога изобилия и музыкальные инструменты – все это заключено в пышные обрамления, симметрично. В утонченности же и легкости композиции намечаются черты нового декора XVIII в.
Орнамент стиля барокко нашел широкое применение в разных странах Европы, приобрел под влиянием национальных традиций каждой из них свои особые черты. Прихотливый узор из самых различныхиплодов и листьев, переданных с удивительной выразительностью, встречается в московских церквах конца XVII в. Он покрывает необыкновенной красоты золоченные и коностасы. Этот сложный резной орнамент носил название « Флермской резьбы», выполнялся специальными мастерами Орежейной палаты. В нем нашли место сложные переплетения причудливо разорванных картушей, с характерными валиками по краям завитков и рядами выпуклых перлов. Эти мотивы проникли в Москву через Украину и Польшу, где был распространен барочный орнамент. В России орнамент в стиле барокко также широко использовался при оформлении интерьеров дворцов, созданных Ф.- Б. Растрелли в Петербурге, Царском Селе, Петергофе. Общее свойство интерьеров Растрелли – их светский, увеселительный, праздничный облик. В них всюду – изобилие цвета, лепнины, узора. В декоративном убранстве интерьеров мастер чаще всего использует мотивы раковины, растительные завитки, картуши, купидонов. В руках русских резчиков даже вычурные завитки орнаментальных форм в стиле барокко по-своему размашисты и легки, полны особой жизнеутверждающей силы. Орнамент руского барокко – гордость отечественной архитектуры, он достойно обогатил мировые достижения орнаметики.
В прикладном искусстве России начала XVII столетия декор еще сохраняет свою четкость и ясность рисунка. В дальнейшем все больше нарастает стремление к декоративному заполнению пространства, к «узорчатости», не оставляющей ни малейшего места, лишенного узоров.
К концу XVII в. растительный орнамент постепенно начинает терять условный характер. Вместо вытянутых по прямой линии или зивитых крутыми спиралями стеблей изображаются растения в более естественных и близких к природе положениях.Среди растительного орнамента появляются фигуры животных и птиц. На серебряных изделиях изображаются сивиллы, библейские сцены, сказочные существа ( русалка, единорог, сирин). К концу столетия и в первые годы XVIII в. все чаще в орнаменте встречаются плоды и ягоды, пышные связки и целые гирлянды плодов и цветов, подвешенных на лентах, продетых в кольца. Мастера проявляют все больший интерес к литературнымпроизведениям, гравюрам лубочным картинкам. Многочисленные сцены, преимущественно навеянные гравюрами из «Лицевой Библии» Пискатора (Голландия), заключатся в красивые рамки из цветов, листьев и завитков в стиле западного барокко, воспринятого Россией с Украины.
В XVII в. в русском золотом и серебряном деле намечается многое из того, что получило в XVIII столетии широкое развитие – стремление передать пластически объемные формы, наблюдение природы и в связи с этим реалистическое изображение растений, животных и людей, переход от линейных, контурных изображений к передаче светотени и пространства, от религиозной тематики – к светской.
В XVII в. в русский орнамент сохраняет национальные особенности и в основном развивается теми же путями, что и орнаментация стран Западной Европы, среди которых ведущее место в прикладном искусстве занимает Франция.

ОРНАМЕНТ РОКОКО

Орнамент стиля рококо по существу является последней стадией развития барокко в его стремлении ко все большей свободе композиции. Стиль рококо – чисто декоративный стиль интерьера, стремившийся лишить его конструктивной четкости, логики и ясности восприятия. Во Франции он назывался стилем Людовика XVI.
Само название «рококо»произошло от французского термина «рокайл», в корне которого лежит слово «чос», что означает «скала». Еще в XVII в. стало приятно украшать фонтаны и гроты как бы в подражание природе обломками скал, покрытых морскими лаковинами и растениями, которые, перепутываясь и переплетаясь, создавали впечатление случайных беспорядочных нагромождений. Это послужило толчком к развитию со второй четверти XVIII в. нового декора, первым и непременным свойством которого стала его асимметричность (наклонная ось композиции, криволинейные контуры, явно доминирующие над прямыми, причудливый рокайль – орнамент, в котором преобладают мотивы в виде «С» – «З» – образных арабесок, раздваивающихся и сплетающихся между собой.

Раковина, которой когда-то украшали гроты, играет в этой орнаминтике главенствующую роль. Если в орнаменте XVI в. точно воспроизводится внешний вид морской раковины, то к началу XVIII в. раковина превращается уже в пальметту, а в искусстве рококо – в условный орнамент, называемый рокайлем.
Как и ранее, в создании нового стиля сыграли немаловажную роль работы художников – декораторов, таких как Пьер Ленотор, Ж. – М. Оппенор, Н.Пино, Ж. – О. Мейсонье, живописец А. Ватто.
Акантовый лист, хотя и не исчезает совсем, но отходит на второй план. Его место занимают свисающие тонкие листья, напоминающие прибрежные растения. В своих асимметричных изгибах они переплетаются с рокайлями, вместе с ними обвиваются вокруг декоративных панно, огромных стеннах зеркал, вокруг спинок, ручек и сидений изысканной мебели.
В искусстве рококо ощутимо тягя к экзотике и восхищения фарфором и лаками Китая, а также искусством Индии, Турции и Персии. Поэому среди распространенных орнаментальных мотивов можно встретить драконов, обезьян, пальмы.
Стилю рококо свойственна любовь к природе, но природе не естественной, а искусственной и театральной. Как и прежде, для художников нового стиля античная мифология была неизменным источником вдохновения. Но теперь Венера становится главным божеством, вытесняя всех остальных богов Олимпа. Исключение делается лишь для тех, кто связан с ней сюжетом. Это амуры, нимфы, сатиры, сопрвождающие торжествующую богиню. В результате слияния всех вышеназванных элементов родилось праздничное, не очень глубокое, но полное грациозного изящества и изысканного очарования искусство, именуемое стилем рококо.
В декоре изделий из художественного метала этого прериода также используется орнамент роакйля и растений с изогнутыми листьями ( акант, пальмы), между которыми помещены парные фигурки ( как правило, это китайцы и китаянки), а также охотничьи сцены. Каминные решетки часто украшались гербами, аллегорическими, мифологическими или галантными сюжетами, использовались также мотивы из басен Лафонтена.
В мебели рококо отсутствует различие между несущими и несомыми частями. Ее худлжественной задачей становится нецелесообразность форм, а текучесть и грациозность линий. В украшение вводится мозайка, изображающая корзины с цветами, гирлянды, быкеты и пр. Для украшения мебели используются также ткани с композициями, состоящими из гирлянд о корзин цветов натуральной величины, атрибутов музыки и пастушеской жизни.
В отделке стен дворцов настоящий или искусственный мрамор с массивными лепными или бронзовыми украшениями из воинских доспехов и трофеев заменяется деревянной обшивкой, украшенной в белый цвет. На ней размещаются резные вызолоченные украшения из различных атрибутов и эмблем, заключенных в тонкие орнаментальные рамы. В цвете – приверженность к светлой полутональной окраске.
В Росси орнамент рококо приобретает свой выраженный национальный характер. Он главенствует во внутреннем убранстве дворцов, созданных Растрелли. Итерьеры построек великого зодчего лишены того беспечного произвола и асимметрии, которые свойственны интерьерам французского рокайля, а также той чуственной экзальтации, неотделимой от представления о немецко- австрийском барокко и рококо.
Стиль рококо объединил искусство европейских стран в XVIII в.

ОРНАМЕНТ КЛАССИЦИЗМА

С 70-х гг.XVIII в. можно говорить о становлени стиля классицизма, который во Франции именуется стилем Людовика XVI.Вехами на пути развития нового стиля явились раскопки Геркуланума (1730) и Помпей (1748) . Античное искусство сново стало источником вдохновения, обратившись гуманистическим идеалам Возрождения и греческой культуры . В то же время новый стиль выражает и иное видение мира .
Орнамент вновь обретает статичность и уравновешенность, с ясными и четкими членениями прямых линий, квадратов, прямоугольников, кругов и овалов. Хотя многие элементы, характерны для эпохи барокко и рококо, сохраняются, класицизм избавляется от излишеств, перегруженности деталями, динамической устремленности форм. Колористические решения орнамента становятся сдержаннами, в росписях начинает преобладать гризайль.
В орнаментальных мотивах класицизма постоянно встречаются розетки – квадратные, четырехугольные, овальные, листья аканта и лавра, цветы, свивающиеся в гирлянды. Пальметки становятся узкими и длинными, спокойного контура. Среди любимых мотивив – медальоны, факел Гименея, античные алтари и урны, покрытые драпировкой, голова или шкура льва, головы сатиров, грифоны и сфинксы, корзины цветов, голубки, дельфины, амуры, треножники и своеобразные узлы и петлии из витых шнуров. Фигурные композиции полны изысканности и ясной гармонии. Герои мифологических сюжетов одеты в легкие прозрачные одежды, подобные античны.

В архитектурном декоре класицизма встречаются овы, меандры и другие элемент, заимствованные из греческой архитектуры, а также цветочные побеги, гирлянды и акантовые листья. Этот орнамент привлекает простотой и изяществом и стоит ближе скорее к греческому, чем к тяжеловесному римскому искусству.
Ведущие орнаменталисты создавали оригинальные орнаментальные рисунки и акварели, многие из которых публиковались в сборниках эскизов декора, мебели и изделий из драгоценных металлов.
В эпоху классицизма разные облицовки стен становятся все более строгими, а изогнутые элементы все суше и симметричнее; композиции строятся на прямых линиях.
Резные орнаменты дверей и простенков, как правило, состоят из повторения одного и того же несложного мотива, заимствованного из греческого искусства ( овы, меандры, жемчужник и т. д.) и римского (орлы, дельфины, бараньи головы). Часто используются мотивы, взятые из реальной природы: гирлянды из листьев, цветы, листья акнта или оливкового дерева. Часто также применяютя атрибуты земледелия (серп, грабли, плетеные корзины), а также сентиментальные мотивы, символы любви (факел или целующиеся птички). Декор интерьера стиля Людовика XVI прост и изящен. Панели окрашиваютя в жемчужно –серый цвет и декорируются гирляндами с обязательной строго симметрричной композицией.
Во французских тканях этого перида декор часто состоит из россыпи мелких цветов, встречаются банты и садовые инструменты во вкусе моды этого времени – « возврата к природе». Композиции отличаются уравновешенностью, а сочные цвета никогда не переходят в грубую яркость.
Выдающимся декоратором французских тканей эпохи классицизма был Филипп де Лассаль. Ему больше всего удаются обивочные ткани с вазами в античном стиле или пано с сельскими сценами, обрамленными крупными цветами.Он создает обивочные ткани с изображением куропаток, палинов, фазанов, с сельскими и музыкалтными сюжетами. Излюбленным мотивом художника является изображение цветов с птицами среди них. Краски в егопроизведениях живые и гармоничные. Везде присутствует темно- каричневый тон.
Отличие декора искусства класицизма от декора Итальянского Возрождения заключается прежде всего в богатстве и разнообразии материалов и технике исполнения.Теперь применяются бронза, фарфор, серебро, драгоценные породы дерева: черное, красное, палисандровое и др. Отделка бронзы граничит с ювелирной, в мебели царят изнеженность и утонченность.

ОРНАМЕНТ СТИЛЯ АМПИР
(конец XVIII — начало XIX в.)

С приходом к власти Наполеона I и начало захватнических войн классицизм трансформируется в стиль ампир (империи), который начинает черпать свои художественные идеалы из искусства не столько Греции, сколько Рима. В декоративно – прикладном искусстве складываются новые формы стиля ампир.
Орнаментальная искусство этой поры лаконично. Его основу составляло революционная символика, опирающаяся но античные формы. Так, фригийский колпак символизировал свободу, ликторская связка означала – «в единении сила», ветви дуба символизировали «общественную добродетель», копье — «свободного человека».
Возникновению и развитию этого стиля способствовали труды и художественное дарование многих лиц. К ним в первую очередь следует отнести известного французского живописца Луи Давида, который в своих произведениях использовал формы древнегреческой мебели и многочисленные мотивы растительного, геометрического и сюжетного орнамента этрусских ваз, чем существенно обогатил декоративное искусства ампира. По рисункам художника-гравера Виван-Деноне известный мебельщик Жорж Жакоб исполнил мебель в египетском духе, что способствовало еще большему внедрению в декоре ампира египетских мотивов.

В отличие от периода классицизма, когда в декоративном искусстве еще сохранялся легкий и галантный стиль, в эпоху Наполеона воцаряется атмосфера диктатуры, осуществляемой архитекторами Ш. Персье и П. Фонтеном. Они неукоснительно следили за соблюдением нового стиля, главной целью которого было утверждение величия императора и империи и были наиболее яркими выразителями стиля ампир в декоре интерьера.
Войнственный характер первой Французской империи отражен в мотивах декора. В орнамент входят трофеи, колчаны, луки, стрелы, лавровые венки, львы, императорские орлы с пучками молний, пчелы и вензель N, прославсяющий Наполеона, сфинксы и фигуры египтянок. Лептные и живописные фризы составляются из римских доспехов, щитов, шлемов, мечей, ликторских связок и топориков.
В мотива декора, корме воинских арматур, треножников, лир, рогов изобилия, дельфинов, химер, сирен, масок и пр., входят многочисленные варианты античных пальметок.
Декор десюдепортов и потолков во времена ампира подчинен строгому канону: в центе – розетка из геометрического или стилизованого растительного орнамента с расходящимися более свободно расположенными мотивами; вся роспись окаймляется широким бордюром. Дверные панно часто украшает летящая женская фигура в духе помпейских росписей, а лебеди или сфинксы составляют бордюр, чередуясь с бесконечно повторяющимися гирляндами. Рисунок декора отличается безупречной правильностью и единообразием.
В эскизах для тканей, созданных Давидом, Персье и Фонтеном, в качестве орнаментальных мотивов используется заглавная буква «N» идругие эмблемы империи: орел, звезды, пчелы, орден Почетного легиона и связки трофеев.В цветовой гамме этого периода наблюдается преобладание красных и фиолетовых, а также желтых цветов; краски снова становятся яркими.
Очень многие декоративные мотивы характерны для классицизма и ампира. Но если для классицизма античный мир – лишь источник вдохновнения в поисках простоты и гармонии, то для ампира мотивы и содержания эмблематики Римской империи более органично сочетаются с идеалами новой эпохи. Классицизм предпочитает нежные тона: светло-зеленый, светл-голубой, светло-желтый. Ампир употребляет контрастные цветовые сочетания: алый с черным, красный с зеленым, глубокий синий, ярко-желтый. Оба стиля используют сочетания белого с золотом.
В целом стиль ампир несет в себе известный схематизм, суровость и строгость, торжественность и помпезность.
Орнамент также понимается иначе. В ампире присутствует определенная скованность движения растительных мотивов, мифологических животных и человеческих фигур. От декоротивного искусства ампира в первую очередь требуются пышность, блеск, великолепие для прославления власти первого императора Франции.
Орнамент ампира становится достоянием всей Европы, но более всего он был переработан и освоен в национальных интересах Росии.
Для Росии первые годы XIX в. отмечены взлетом прогрессивной мысли передовых слоев общество, а также патриотическим подъемом, вызванным Отечественной войной 1812 г. Выразителями высокого национального самосознания явились архитекторы Воронихин, Захаров, Тома де Томон, Росси, Стасов и другие, творения которых стали вершиной русского зодчества. Столь же блистательно они проявили свой творческий талант и в декоративных искусствах, определив тем самым его «лица не общее выражение».
Воспевая славу русского оружия в войне 1812 г., Росси и Стасов в композиции многих зданий включают фигуры русских воинов; в уже знакомые римские арматуры вплетают доспехи древнерусских витязей. Прикладное искусство первой четверти XIX в. достигает высокого расцвета, и в нем также звучат национальные мотивы.
Руский орнамент не мог развиваться вне русла общеевропейских форм. В нем использовался весь характерный декор зрелого классицизма, но трактовка орлов, грифонов, лебедей, поддерживающих кресла и стулья, поражает разнообразием, богатством выдумки и какой-то особенной мягкостью.
Около 1820г. фигуры животных и птиц в резьбе почти совсем исчезают. Торжествуют особого рисунка пальметки, розетки, стилизованные лиры и своеобразнотрактованный акант, собранный в пучки и напоминающий рог изобилия.
Капризные формы изделий из драгоценных металлов XVIII в. сменяются строгими четкими формами, близкими к прямоугольнику, кругу, овалу, шару или цилиндру. Обильно вводятся архитектурные мотивы и органически с ними связанные антикизированные скульптурные фигуры и детали. Подсвечники канделябры приобретают форму колонн с канелюрами и украшаются гирляндами, вазами, литыми львиными, бараньими или козлиными головами, кистями, фигурами амуров, кариатид и пр.
Стопки и стаканы московской работы часто украшаются женскими фигурами и воинами в античных одеждах, военной арматурой.
Усиливающийся интерес ко всему, связанному с понятием отечества, нашел подтверждение в большом количестве видов Москвы и Петербурга, которыми украшались ларцы, табакерки, ортсигары, кошельки и другие предметы прикладного искусства на протяжении всего XIX в. К ним примыкают гербы русских городов, обрамленные дубовыми ветвями, аллегорические сцены, трактованные в стиле классического искусства.
Демократические тенденции, нашедшие яркое выражение в литературе и живописи, отразились и в прикладном искусстве первой половины XIX в. в виде жанровых сцен с фигурами пляшущих крестьян, пастуха, играющего на рожке, крестьянки в кокошнике и др.

ОРНАМЕНТ ЭКЛЕКТИЗМА

С 1830-х гг. как в западноевропейской, так и в русской архитектуре классицизм начинает вытесняться новыми сыилевыми течениями. Наиболее активно процесс освоения исторических стилей проходил в сфере внутренней отделки сданийм создания интерьеров, отвечающих самым разнообразным вкусам.
Увлечение историческими стилями имело известную последовательность. Раньше других – в 1820-х гг. – в заподноевропейскую архитектуру пронок псевдоготический стиль. В мебельных гарнитурах, а также предметах из стекла, фарфора и металла активни используются готические мотивы в виде стрельчатых арочек, вимпергов, пинаклей, фиалов и соответствующая готическая орнаментация. В 1830-1840 гг. развиваются так называемый «неогреческий стиль», а также помпейский. В стиле «неогрек» оформлялись преимущественно фасады, в помпейском стиле создавались интерьеры. В отличие от первой четверти второй половины XVIII в. и в первой четверти XIX в. неогреческая архитектура носила имитационный, явно декоративный и измельченный характер.
В 1840-х гг. в оформление интерьера проникает псевдобарокко и особенно его последняя стадия рококо («ложное рококо»). Сильнее всего стиль рококо проявился в мебели, мебельных гарнитаурах. В этот период возникает многообразие типов мебели. Эта мебель отделывалась резьбой в стиле рококо, которая покрывалась позолотой. Аналогичную декорацию приобретали рамы для картин и зеркал, а также подвесные, стенные и настольные лампы.
В мебели наблюдается смешение стилей. Часто один и тот же тип декорировался и в готике, и в ренессансе, и в барокко.
В 1830-х гг. русская архитектура наряду с западными стилями обращается к мотивам древнерусского зодчества. Восприятие форм архитектуры Древней Руси на щтом этапе носило внешний характер вследствие слабой ее изученности.
В середине и дторой половине XIX в. в русском искусстве начинается второй этап эклектизма. Верх берут разные псевдостили, часто представленные в одном здании. Для убранства архитектурных сооружений заимствовались самые различные элементы декорировки – из художественно-исторических памятников Италии, Франции, Германии и других стран.
Во второй половине XIX в. в поисках национального русского стиля создается стилизояанный (псевдорусский) орнамент, в котором воскрешаются древнерусская плетенка и узоры из трав, характерные для русского средневековья. Но в изгибы стеблей и побегов, в сплетения полос вносятся размерность, надуманность и сухость, что сильно отличает этот орнамент от своих древних прототипов. Новые формы уступают традиционным в красоте и свободе построений.

ОРНАМЕНТ МОДЕРНА

В конце 1880-х гг. почти одновременно в разных странах заявил о себе «новый стиль», известный под названием «ар нуво», «сецессия», «югендстиль», «модерн». Его художественные поиски и принципы форморования с наибольшей полнотой проявились прежде всего в архитектуре, а затем в декоративном искусстве, где орнаменту суждено было стать наиболее характерным воплощением новых стилевых тенденций.
Немалая роль в становлении модерна принадлежит Самюэлю Бингу, сознательно и целеустремленно пропагандировавшему японское искусство с точки зрения потребностей «нового стиля». Он считал своей главной задачей познакомить французских художников в первую очередь прикладных жанров с принципами построения формы и декора японских изделий, открыть новые пути творчества. Публикации его журнала были призваны помочь художникам и ремесленникам, работавшим в области промышленных искусств, уйти от модного в то время внешнего подражания восточным изделиям к подлинному их пониманию и использованию в собственном творчестве.
Значительным оказался и опыт Японии в реализации одной из главных проблем в системе стиля модерн – в проблеме синтеза искусств. Кроме того, обращение к японским мотивам имело одно из первостепенных значений в становлении собственно стилевых свойств модерна.
Японская графика стала стимулом обращения модерна к образам загадочных, томных и грациозных женщин, а также к редким в европейском искусстве мотивам флоры и фауны, таким как водоросли, водяные лилии, насекомые, пресмыкающие и ракообразные. Жуки, бабочки, стрекозы, кузнечики изображались на разнообразных предметах и во всех видах прикладного искусства.